Mayoral

Antoni Tàpies i Puig, (Barcelona, 1923 - 2012) fue un artista catalán reconocido por sus profundas contribuciones al campo del arte contemporáneo. Tàpies se inició en el arte a una edad temprana y fue uno de los pioneros del movimiento de vanguardia. Su estilo distintivo abrazaba elementos del expresionismo abstracto, el informalismo y técnicas mixtas, creando un lenguaje visual único que desafiaba las normas artísticas tradicionales.

Tàpies exploró temas profundos sobre la existencia humana, la espiritualidad y la conciencia social a través de sus obras, incorporando a menudo objetos cotidianos y materiales simbólicos en sus composiciones texturadas y táctiles. Su obra abarcó la pintura, la escultura, el grabado y la cerámica. Fue celebrado por su capacidad de transmitir profundidad emocional e introspección a través de sus poderosas y provocadoras piezas. A lo largo de su carrera, Tàpies recibió numerosos reconocimientos internacionales y su obra forma parte de los museos más prestigiosos del mundo, consolidándose como uno de los artistas más influyentes del siglo XX.

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Antonio Saura (Huesca, 1930 – Cuenca, 1998) fue un destacado pintor y escultor español conocido por sus profundos y provocadores trabajos que exploraron temas como el sufrimiento humano, la angustia y el existencialismo. El recorrido artístico de Saura comenzó con el expresionismo figurativo antes de evolucionar hacia un estilo propio caracterizado por pinceladas audaces, figuras distorsionadas y un uso sobrecogedor del blanco y el negro. Inspirado por artistas como Francisco Goya y Pablo Picasso, la obra de Saura a menudo ahondaba en las profundidades de la psique humana, reflejando sus propias luchas personales y el clima sociopolítico de su época. A través de su poderoso lenguaje visual, el arte de Saura buscaba confrontar y desafiar a los espectadores, dejando una huella indeleble en la
escena artística española y consolidándose como una figura venerada en la historia del arte moderno.

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Eulàlia Grau (Tarrasa, 1946)

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Jean-Michel Basquiat (Nueva York, 1960 – 1988) fue un artista estadounidense que alcanzó el éxito en la década de 1980 dentro del movimiento del neoexpresionismo. A finales de los años 70 consiguió cierta notoriedad como parte del dúo de graffiti SAMO, escribiendo epigramas enigmáticos por Manhattan, especialmente donde el rap, el punk y el arte urbano convergían en la cultura del hip-hop. A principios de 1980, sus pinturas ya se exhibían en galerías y museos internacionales. A los 21 años, Basquiat se convirtió en el artista más joven en participar en la Documenta de Kassel, Alemania. A los 22, fue uno de los más jóvenes en exponer en la Whitney Biennial en NY.

Basquiat se centraba en dicotomías como la riqueza versus la pobreza, la integración versus la segregación y la experiencia interna versus la externa. Utilizó la poesía, el dibujo y la pintura; fusionó texto e imagen, abstracción, figuración e información histórica mezclada con crítica contemporánea. Sus pinturas incluían el comentario social como una herramienta de introspección y de identificación con la comunidad negra, así como para atacar las estructuras de poder y el racismo.

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José Pérez Ocaña (Cantillana, 1947 - Sevilla, 1983), más conocido como «la Ocaña», fue artista, performer y activista por los derechos LGTBI+. 

En 1971 se trasladó a Barcelona, donde ejerció el oficio de pintor decorativo para subsistir y desarrolló su vida artística. Fue una de las principales figuras del movimiento de la contracultura barcelonesa de la década de 1970. Utilizó sus representaciones simbólicas del cuerpo para provocar, y al mismo tiempo para naturalizar, haciéndolas visibles en el espacio público, un conjunto de prácticas performativas populares y colectivas de desobediencia de género y sexual. Su gran popularidad continúa ocultando su obra como artista, una práctica singular que anunció  —treinta años antes— un modelo ejemplar de hacer arte para el siglo XXI. 

Ocaña incorporó numerosos elementos de la religiosidad popular andaluza en su estética, resignificándolos como elementos contraculturales y dotándolos de centralidad en sus obras y también en sus exposiciones. En el ámbito del cine, protagonizó Ocaña, retrato intermitente (1978), dirigido por Ventura Pons; la película Manderley (1981), dirigida por Jesús Garay, y el cortometraje Silencis (1982), entre otros.

Mari Chordà (Amposta, 1942) es una pintora, poeta y activista feminista catalana. Estudió en la Escuela de Bellas Artes de Barcelona, donde comenzó a experimentar con representaciones pictóricas del cuerpo femenino. En 1964, unos años antes de la revolución del arte feminista que tuvo lugar en los Estados Unidos a principios de los años 70, Chordà inició la serie Vagines, centrada en la representación visual de la feminidad desde una perspectiva fisiológica. Su estilo pictórico ganó en color y abordó temas como la sexualidad y la maternidad, como resultado de su experiencia con el embarazo tras una estancia en París en 1965. Creó representaciones innovadoras del cuerpo femenino en un estilo «no figurativo», anticipando la vanguardia feminista de la década siguiente.

Chordà participó activamente en los movimientos feministas desde finales de los años 60. En 1968 fundó el centro cultural Lo Llar en su ciudad natal. En 1977 cofundó el legendario Bar-Biblioteca- Feminista laSal en Barcelona y la primera editorial feminista de España.

Marria Pratts (Barcelona, 1988), artista transgresora de la escena emergente metropolitana de Barcelona, emplea una paleta de colores estridentes que ironizan sobre la sociedad actual. Como dice el comisario y crítico de arte David G. Torres, “la intensidad de su trabajo surge de una pulsión con la contemporaneidad”. Su obra multidisciplinar (pintura, vídeo, escultura, instalación, dibujo, fanzines, neones, diseño,...) se caracteriza por un trazado punk, cargado de iconografías y símbolos propios que parten de la ciudad, su entorno inmediato, para criticar una sociedad injusta. Nacida en 1988, vive y trabaja en Barcelona.

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Martina Pla (Barcelona, 1962), hija de padre diseñador y pintor, y de madre pintora, es creadora de indumentaria y cartomántica. Trabaja el dibujo espontáneo del subconsciente, inseparable de su intensa biografía y del paisaje que la rodea. 

Desde finales de 1970 hasta finales de 1990, expone en diferentes colectivas y colabora con las galerías Fernando Alcolea y la Sala Parés. A partir del 2000 se desvincula del mundo expositivo y se dedica a transformar su obra anterior pintada al óleo, deconstruyéndola para reconstruirla, creando sinérgias compositivas en espacions expositivos. En este sentido, el 2022 presenta el proyecto «biologia del paisatge», en el que la naturaleza y el entorno son estímulos para la creación pictórica.

Pintor, decorador, escritor y pensador. Frecuentó la Residencia de Estudiantes y se integró al grupo  Generación del 27. Se instaló en París a finales de 1920, donde se convirtió en la figura más brillante del surrealismo pictórico; allí conoció a Gala, que fue su mujer, musa y consejera. Entre 1940-48 en Nueva York consolidó su proyección internacional. Destaca la exposición de 1941 en el MoMA y la publicación de The Secret Life of Salvador Dalí (1942).

Su pintura partió del Novecentismo y adoptó lo que él calificó como actividad paranoicocrítica, que dio lugar a su obra más característica: escenas oníricas realizadas con una extraordinaria minuciosidad técnica. En Italia durante la Guerra Civil española predominaron los temas religiosos, históricos y alegóricos, y al regresar en 1948 siguió la tradición de los grandes místicos de la literatura castellana. En etapas sucesivas utilizó la holografía y realizó pinturas estereoscópicas. Cultivó el cartelismo, el grabado, la ilustración de libros, diseñó joyas y esculturas.

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