Galeria Marc Domènech

Alfons Borrell (Barcelona, 1931-Sabadell, 2020). Es uno de los representantes más destacados de la abstracción lírica en Cataluña. Tras frecuentar el estudio de Anglada Camarasa y estudiar en la Escuela de Bellas Artes de San Jorge de Barcelona, Alfons Borrell inició su trayectoria pictórica en los años cincuenta dentro de la figuración en un primer momento. Su obra evolucionó hacia el expresionismo abstracto y, ya en la década de los sesenta, hacia la pintura gestual. A mediados de los setenta desarrolló el estilo que le es propio, desligado de etiquetas, caracterizado por un monocromatismo sobrio que se desvinculaba conscientemente de la corriente matérica del informalismo. En su pintura, el color se impone a la forma, a partir de un lenguaje que renuncia a cualquier ansia referencial y que busca la contención y el rigor.

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Ana Peters (Bremen, 1932 – Dènia, 2012) nació en Alemania en 1932, hija de un consignatario de buques. Desde niña supo que quería ser pintora y admiraba las obras de Caspar David Friedrich y más tarde las de Emil Nolde y las de Paula Modersohn-Becker. En 1942, en plena 2ª Guerra Mundial, la familia se trasladó a España en donde Peters se formó artísticamente en la Escuela de Bellas Artes de Valencia –entre 1953 y 1955- y más tarde en la Escuela Superior de Bellas Artes de San Fernando de Madrid, en donde conoció a Lucio Muñoz y Alfonso Fraile. En 1964 se casó con el historiador y crítico de arte Tomàs Llorens, teórico del Equipo Crónica (Rafael Solbes y Manolo Valdés).

En los años sesenta participó en el grupo Estampa Popular valenciana, junto a Rafael Solbes, Manolo Valdés, Juan Antonio Toledo, Anzo y Cardells, entre otros artistas, un grupo que aspiraba a hacer llegar el arte contemporáneo a un público amplio, en muchas ocasiones con un contenido de denuncia social y utilizando imágenes de los medios de comunicación de masas. Paralelo a ello, Ana Peters realizó trabajos en el terreno del diseño gráfico y en el de interiores. La obra de Ana Peters gozó de exposiciones en la Comunidad valenciana y en Madrid. El IVAM le dedicó una Retrospectiva en 2007 y participó en numerosas ferias internacionales como las de París, Colonia y Frankfurt.

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Antoni Tàpies i Puig, (Barcelona, 1923 - 2012) destacado pintor y escultor español del siglo XX, fue un exponente mundial del informalismo. Su estilo propio combinaba tradición e innovación en obras abstractas llenas de simbolismo. Su obra refleja un profundo análisis de la condición humana, expuso en los museos y galerías mas importantes internacionalmente.

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Enric Planasdurà (Barcelona, 1921–1984) protagonista de la vanguardia catalana de los años 50 y 60, Planasdurà participó activamente en el panorama cultural del momento a través de su implicación en varios grupos y entidades culturales. Siempre partiendo de la experimentación y con gran capacidad simétrica, dominó tanto la figuración como el informalismo y la abstracción geométrica. Sus obras, de gran vitalidad, han sido expuestas en distintas ciudades como Venecia, Milán, Berna y Madrid. Planasdurà fue premio Ciutat de Barcelona 1974.

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Erwin Bechtold (Colonia, Alemania, 1925 - Ibiza, 2022) en 1949 finaliza sus estudios como maestro impresor, pero abandona este oficio para dedicarse al mundo del arte y se traslada a París, donde trabaja con Fernand Léger. En la capital francesa proyecta un breve viaje a Barcelona que se convertirá en una estancia duradera. En 1954 descubre Ibiza, isla que sería su futuro lugar de residencia, aunque sin interrumpir sus relaciones con Barcelona ni con los centros artísticos europeos. En esa época, Ibiza es el lugar de encuentro de artistas e intelectuales del mundo entero, y es allí donde funda el grupo Ibiza 59. En 1957 participa en la legendaria exposición «Eine neue Richtung in der Malerei» («Un nuevo camino en la pintura»), en la Kunsthalle Mannheim, Alemania, en la que tiene su primer encuentro con los pintores alemanes de su generación. En los inicios de los años sesenta realiza sus pinturas de formas orgánicas, que provocan un intenso debate público en Alemania, formas que abandona en 1966, cuando aparecen por primera vez elementos geométricos en sus trabajos.

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Georges Noël (Béziers, Francia, 1924 - Paris, 2010) después de estudiar pintura e ingeniería, trabajó durante nueve años como diseñador-delineante en la firma aeronáutica Turboméca. En 1956 se trasladó a París, para dedicar sus energías a la pintura. Dubuffet y Klee, Pollock y Fontana fueron artistas que le impresionaron desde el principio. Las fotografías de "graffiti" de Brassai también fueron una revelación. Su interés por el dibujo y la "escritura automática" (aunque no le interesaba el surrealismo) le llevó a inventar un medio -constituido por pigmentos en polvo, arena y pegamento- sobre el que incidir su lenguaje de signos personal. El soporte podría ser áspero o suave, según las intenciones o el estado de ánimo del artista; sirvió para captar el despliegue de sus impulsos gráficos, ya que rayaban la superficie, o incluso rasgaban estos suelos en capas. Su vocabulario de signos delata su profundo interés por la magia y el misterio de las culturas prehistóricas, arcaicas y tribales. El término "Palimpsest", el término genérico para sus pinturas, se refiere al significado original de la palabra de escribir, frotar y después escribir de nuevo, inicialmente en tabletas o pergaminos. Aquí, el artista superpone y borra sus campos de color y cúmulos de signos, evocando capas de memoria, emoción y significado.

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Hernández Pijuan (Barcelona, 1931-2005) ha sido uno de los artistas catalanes contemporáneos más reconocidos internacionalmente.  Ha participado en exposiciones en centros de arte internacionales y ha recibido numerosos premios, como el Premio Nacional de Arte Gráfico en reconocimiento a su trayectoria (2005), el Premi Ciutat de Barcelona de Artes Plásticas (2004) y el Premio Nacional de Artes Plásticas (1981). Entre sus exposiciones más destacadas están la participación en la 51 Bienal de Venecia (2005); Tornant a un lloc conegut... Hernández Pijuan 1972-2002 en el MACBA, Barcelona (2003), que itineró por el Musée d’art et d’histoire de Neuchâtel, la Konstshalle Malmö y la Galleria d’Arte Moderna de Bolonia; Hernández Pijuan-drawings 1972-1999, en el Rupertinum Museum de Salzburgo (2000) y Espacios de silencio 1972-1992 en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid (1993), que se presentó también en el Museo de Monterrey, México. Recientemente su obra se ha mostrado en retrospectivas en el Altana Kulturstiftung, Bad Homburg, Alemania (2011), en el Moscow Museum of Modern Art (2012), en MUA Alicante (2019); y en colectivas en el Patio Herreriano de Valladolid, el MNAC de Barcelona, Caixaforum de Barcelona y Madrid, IVAM de Valencia, entre otros. 

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Joan Claret i Corominas (Barcelona, 1929-2014) es uno de los pintores catalanes más singulares de la generación de posguerra. Formado en un contexto dominado por el auge del informalismo, Claret se hizo un lugar dentro de la plástica catalana de los años sesenta a través del cultivo de una pintura sensible y de base constructivista, convirtiéndose en uno de los pocos representantes, y sin duda lo mejor, en este género. Una estancia en París de tres meses en 1957, le empujó a realizar su salto pictórico hacia una pintura refinada y analítica, que pronto será objeto de admiración por parte de los principales críticos y galerías de la ciudad, principalmente de la Sala Gaspar, con la que llegará a exponer hasta nueve ocasiones (cuatro de ellas de forma individual).

Aunque Claret tuvo una trayectoria artística prolífica, se consideran sus años de plenitud pictórica entre 1959 y 1966, es decir, entre su regreso a París y su segunda gran exposición individual en la Sala Gaspar. En este intervalo Claret, aparte de sus destacadas exposiciones individuales, participó en muestras colectivas de gran relevancia en su tiempo, como las 0 figura en casa de la Sala Gaspar, organizadas por Rafael Santos Torroella o las exposiciones de arte en la calle MAN. Cabe destacar también de aquellos años la participación en exposiciones internacionales, en Brasil, Estados Unidos, Inglaterra o Suecia, o la adjudicación del premio de dibujo Joan Miró, en 1962. 

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Joaquim Chancho (Riudoms, Tarragona, 1943) hasta 1967, estudia en la Escola Superior de Belles Arts Sant Jordi de Barcelona. Obtiene el accésit del “Premio a la Pintura Joven”, convocado por la Sala Parés de Barcelona. Paisajes arquitectónicos y temas arbóreos; elementos constructivos de pinceladas densas y pigmentadas. 1970 Estancia en París becado por la Fundació d’Art Castellblanch, de Barcelona. Primeras representaciones pictóricas basadas en la interpolación del gesto a la geometría. Abre un estudio en Barcelona, en las inmediaciones del Mercado de Santa Caterina. 1973 Beca de la Fundación Juan March, Madrid. Edición del libro A, a cargo de l’Escola d’Enginyers Industrials de Barcelona. Series de transformaciones lineales a base de secuencias sucesivas o series cíclicas de imágenes. Elementos sígnicos y caligráficos.

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José María Sicilia (Madrid, 1954) es uno de los representantes más significativos de la pintura española de los años ochenta. Comenzó su carrera artística estudiando en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando en Madrid para después instalarse en París, en 1980. Allí coincidió con otros dos artistas españoles -Miquel Barceló y Miguel Ángel Campano- igualmente referentes junto a José Manuel Broto y Ferrán García Sevilla de la pintura española de la época. Desde su llegada a Francia el artista trabaja en grandes formatos y su pintura advierte una constante evolución. Su trabajo se organiza en series pictóricas donde se encuentran reunidas naturalezas muertas y representaciones de herramientas y utensilios domésticos (aspiradores, planchas, tijeras, cubos, etc.); al igual que vistas de paisajes urbanos de Madrid y París.

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Miquel Rué (Sant Boi de Llobregat, Barcelona, 1929 – París, 1967) expone sus primeras obras entre 1948 y 1950 en las exposiciones colectivas de Dibujo y Pintura para Artistas Santboyanos organizadas por el ayuntamiento de Sant Boi. 

Rué presenta dibujos y óleos que representan paisajes, bodegones y algún retrato. 1956 Exposición individual en el Museo Municipal de Mataró. Este mismo año forma parte del Grupo Arte Actual, impulsado por Moisès Villèlia, junto con Anton, Fernando Lerín y Plaza y participa en las exposiciones que el grupo celebra en el Museo Municipal de Mataró y en el Museo Municipal de Granollers. Estas son las últimas muestras en las que se puede ver el trabajo de Rué en Catalunya. 

La obra de Rué en esta época es básicamente abstracta con composiciones a base de colores y planos en busca de una cierta geometrización. En octubre parte hacia París con su amigo y pintor Enric Rabasseda para continuar su carrera artística en la capital francesa. En 1959, finalmente entra a formar parte de la nómina de artistas de la Galerie de Beaune dirigida por Suzanne de Coninck y dedicada al arte no figurativo. Por esta galería pasaron nombres tan conocidos como Serge Poliakoff, Hans Hartung, Nicolas de Staël, Schneider, Degottex o Tal Coat. Es a partir de este momento que Miquel Rué entra en la llamada Nouvelle École de Paris

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Pic Adrian (Moineşti, Rumanía, 1910 - Barcelona, 2008) aunque en 1915 su familia se trasladó́ a Bucarest donde años más tarde cursó sus estudios en Derecho. Publicó su primer libro de poemas, Jocuri de lumini în întoneric (Juegos de luz en la oscuridad) en 1927. En París, décadas después, publicó cinco libros más: Oeil du ciel: coeur (1973), Main planétaire (1985), Noyau de l’infini (1990), L’Île invisible (1994) y Transparence (1999). Seguidamente se trasladó a Israel en 1951. En 1953 vivió en Francia, donde conoció a figuras relevantes como Brancusi, Chagall, Fernand Léger, Jean Arp o Pau Casals, entre otros. 

A partir de julio de 1953 fijó su residencia en Barcelona, aunque mantuvo su actividad en París.Su primera exposición individual fue en 1962 en la Galería Syra de Barcelona. Durante ese periodo Adrian fundó el grupo Tendencias Esencialistas, el cual expuso en Barcelona en 1967, y en Madrid en 1969. También publicó varios libros de teoría del arte y formó parte de diversas exposiciones colectivas en Barcelona, Madrid, París, Londres, Ruan, El Havre, Alemania occidental, etc. Entre 1970 y 1971 se publicaron en Turín y en Barcelona respectivamente dos álbumes de serigrafías del artista: 10 Condizioni lineari di segnaletica aleatoria y Sincronías. Durante toda su vida viajó intensamente por Europa occidental y los Estados Unidos.

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Sergi Aguilar (Barcelona, 1946) estudia en la Escuela Massana y en el Conservatorio de las Artes del Libro de Barcelona entre 1962 y 1967, momento en que entra en contacto con la obra escultórica de J. González, C. Brancusi, J.Oteiza y los constructivistas rusos, entre otros. Durante los siguientes cuatro años continúa su formación y amplía sus intereses creativos con estancias personales en París, Londres, Praga, Stuttgart y Menorca. Hacia 2005 va abandonando la escultura entendida como un ente sólido; a partir de entonces el territorio se convierte en el tema y eje principal de su trabajo, al cual incorpora la noción de desplazamiento. Ha realizado exposiciones individuales y colectivas en Europa, Estados Unidos y Japón

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Setxu Xirau Roig (Canet de Mar, 1968) formado en la pintura, es licenciado en la especialidad de escultura por la Facultad de Bellas Artes Sant Jordi de la UB, Universidad de Barcelona. Becado en la ENSB-A, Ecole Supérieur des Beaux-Arts de París, trabaja en el taller de Christian Boltanski. Después de una breve estancia en la capital francesa regresa a Barcelona, abandona la actividad artística y cursa un máster en realización y producción de vídeo y televisión profesional en la UPC. Universidad Politécnica de Cataluña. Trabaja en publicidad, cine y finalmente en televisión, en los servicios artísticos de TV3. Televisió de Catalunya, en el departamento de diseño de espacio y ambientación. Veinte años después deja el ámbito audiovisual y reanuda la actividad artística, con una producción que evidencia su paso por el mundo del diseño, la escenografía, la comunicación visual y la imagen. Preocupado por todo lo que rodea lo definido bajo el concepto “Humanimal”, que cuestiona la relación y los límites entre el hombre y el resto del reino animal, su trabajo más reciente parte de la mirada como toma de conciencia de la propia identidad y pretende, en último término, cuestionar la relación artista-galería/museo-espectador, como ejes básicos de la cultura Contemporanea.

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Teo Soriano (Mérida, Badajoz, 1963) realiza sus estudios en la Facultad de Bellas Artes de Salamanca y Pontevedra. Su formación académica se amplía con la asistencia en numerosos y diversos talleres en Galicia y Madrid entre los que cabe destacar los impartidos por artistas como Lucio Muñoz, Rafael Canogar o Eva Lootz. Su primera exposición fecha de 1985 en A Coruña titulada Las Algas. A partir de allí, su obra empieza a verse en exposiciones individuales y colectivas que se organizan en galerías, museos y centros de arte de toda España. 

De entre sus exposiciones encontramos Codo manchado de azul turquesa en el Palacio de exposiciones Kiosko Alfonso de A Coruña, 27 negros en el Centro Gallego de Arte Contemporáneo de Santiago de Compostela, El boceto del Mundo en la Fundación Luis Seoane de A Coruña, Puntos de pintura en el Centro Torrente Ballester de Ferrol, o Nuevas adquisiciones en el Centro Gallego de Arte Contemporáneo de Santiago de Compostela. Igualmente, ha colaborado con varias galerías como la Galería Trinta de Santiago de Compostela, la Galería Paloma Pintos de Santiago de Compostela, la Galería Miquel Alzueta de Barcelona y Madrid, o la Galería Fernando Pradilla de Madrid, entre otras. Su obra ha estado expuesta en los stands de numerosas ferias nacionales e internacionales como Arco (Madrid), Art Chicago (Chicago), Art Madrid (Madrid), The Armory Show (N.Y.).

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Vicenç Viaplana (Granollers, 1955) los primeros trabajos del artista (Informe sobre el desfici, 1973) aparecen en el estallido de las primeras manifestaciones conceptuales de los años setenta en el agitado entorno creativo que Alexandre Cirici, en un artículo en Serra de Oro, llamó Meridià de Granollers. La exposición en la Galería Ciento (Barcelona), en 1975, o la instalación Vides provocades en la mítica Galería G (Barcelona), en 1976 fueron perfilando los rasgos fundamentales del trabajo de Viaplana, que se irán consolidando a través de exposiciones como las de Metrònom (Barcelona), en 1987, Bruno Facchetti Gallery (Nueva York), en 1989 o Fernando Alcolea, (Nueva York y Barcelona), en los años 1989 y 1991. También ha expuesto, entre otras, en la Galería Antonio de Barnola (Barcelona) en 1997 y en la Galería Carles Taché (Barcelona) los años 2001, 2003, 2005, 2011 y 2013. Son especialmente significativas las colaboraciones con Carles Hac Mor en el vídeo D’on ve tot, realizado en 2011 y en el libro Fracassart de la no-mort de l’art, publicado en 2015.

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Xavier Escribà, (París, 1969) vive y trabaja en Cataluña.

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